Spesso, quando devo intervistare un artista, mi capita di provare ad immaginare che tipo di persona l’intervistato possa essere, in base alla musica che produce.
A volte, mi è capitato di avere l’intuizione giusta. Di solito, succede quando mi sento particolarmente affine alla musica che l’artista produce.
Fin da subito, mi sono immaginata Kris Baha, come una persona con una sensibilità molto interessante. E’ forse fatto logico che non potrebbe essere altrimenti: parliamo di un artista che sembra scendere a patti con l’oscurità, ma in fondo, la sua musica cela certo romanticismo, come uno sguardo profondo con un velo di misteriosa tristezza.
La visione della musica come la propria tavolozza espressiva, mi ha ispirato. Così come un approccio non stagnante, ma bensì una continua attività di esplorazione. Nuovi strumenti, nuove sfide. Nuove emozioni? Nuovi modi in cui esprimerle.
Kris Baha è oramai slegato dal concetto di artista-del-clubbing: è anarchico nella sua polivalenza. Indipendente, nell’ampiezza dei suoi pensieri. Libero, nell’esprimere la sua umanità.
Ciao Kris, benvenuto su Soundwall! Eccoci qui, per celebrare il tuo album di debutto “Palais”, ed è un vero piacere. Il tuo primo LP ha visto ufficialmente la luce il 16 settembre su Cocktail D’amore Music, all’interno si fondono abilmente l’estetica sonora new wave, -passata e presente-, e quella post-punk firmata 80s, passando con una certa abilità da killer track pensate per la dancefloor a tracce dall’anima più sperimentale e psichedelica. L’album è stato registrato tra il 2015 e il 2018. Riesco chiaramente a sentire una certa maturità sonora, sei d’accordo? Come ci sei arrivato?
Grazie per l’invito! Questo sì che è un bel modo di dirlo, sono d’accordo con questa osservazione. Beh, è stato un lungo percorso, circa cinque anni dal completamento sonoro dell’album, alla pubblicazione effettiva. Ci sono stati molti cambiamenti e ostacoli, ma è tutto parte del viaggio. Penso che sia proprio il viaggio in cui ti porta, che ciò che rende interessante un LP. Nelle prime fasi della creazione dell’LP, credo di non essere stato pienamente consapevole del tipo di dichiarazione che volevo comunicare attraverso il formato di un LP, motivo per cui ci è voluto così tanto tempo. Solo verso la fine del 2017, ho capito cosa volevo trasmettere veramente, dal momento che stavo riflettendo su me stesso, chiudendo un capitolo della mia vecchia vita in Australia. Nonostante io mi sia trasferito a Berlino per la prima volta nel 2015, continuavo a tornare in Australia per Natale e per tenere d’occhio il mio evento settimanale, Power Station. Ho deciso di fare “il trasferimento finale” nel 2017, imballando il mio studio, i miei dischi, i miei vestiti e la mia vita in un container con destinazione Berlino. Questa realizzazione, ha acquisito senso solo alla fine del 2017, quando ho finalmente compreso che “Palais” è un nostalgico ricordo della mia vita precedente.
Come gestisci il tuo setup con la quantità di strumenti che governi durante il processo di produzione e le tue esibizioni dal vivo? Perché in questo LP puoi ascoltare un’orchestrazione veramente notevole…
Beh, sto collezionando strumenti da un po’ di tempo ormai, forse 17 anni (ho iniziato quando ne avevo 12 anni) ma in questo periodo mi sto concentrando di più sul fatto che il mio set up / configurazione sia limitato ad un progetto musicale specifico o ad una serie specifica di lavori all’interno quei progetti musicali. Scegliere una diversa combinazione di macchine che già conosco abbastanza bene, mi aiuta a tradurre ciò che sento in quel momento e risolve le problematiche di “non sapere da dove cominciare” o “con quale macchina cominciare”. Devo dire però che “Palais” a volte suona come un sacco di macchine diverse; principalmente perché è stato un processo di cinque anni, a cui ho lavorato anche in diversi studi, appartamenti, aerei ecc. Ora, anche il mio live show è davvero alleggerito e punta molto sulla performance.
A quale dei brani dell’album sei più affezionato? Raccontaci la sua storia.
Se mi avessi fatto questa domanda due anni fa avrei detto “Living Nothingness” o forse “Brink Reality 2” (dato che sono alcuni dei brani più vecchi dell’LP) – ora canzoni come “Defied” e “Life”, “Lust & Death” risuonano veramente con me, specialmente “Defied”. Adoro il fatto che sia una “canzone” ma che continui ad avere i miei suoni riconoscibili, flirtando con la sensibilità del pop. Non è solo un brano dance che dura tre mesi, che sembra essere il modo in cui le cose vengono consumate oggigiorno.Inoltre ho avuto una visione cyberpunk-futuristica mentre la stavo componendo, quindi per me evoca un qualche tipo di futurismo, quanto meno nella creazione iniziale.
Cosa conta di più per te: l’occhio della mente o le capacità tecniche?
Gli occhi della mente, di sicuro. Un’altra prospettiva è quella di imparare tutto ciò che è tecnico e poi dimenticarlo e perdersi negli occhi della mente.
Un album è sempre un buon modo per raccontare di più su un artista. In queste 12 tracce, confermi definitivamente la tua identità, ma c’è anche qualcos’altro che Kris vuole dirci?
Si tratta di domanda per pulire l’armadio dalle ragnatele? Alcune cose è meglio lasciarle all’immaginazione dell’ascoltatore, ma quello che posso dire è che c’è ancora moltissima musica in arrivo da parte mia, ma si tratta di un nuovo capitolo.
(continua sotto)
Bene, continuiamo con una visione un po’ più generale. Per me, la tua musica è chiaramente figlia della tua stessa sensibilità e posso dedurre dalla tua discografia che hai nuotato da influenze più new wave/disco verso quelle più industrial/ebm.
Questo percorso, è una tua proiezione come individuo o più strettamente connesso alla tua crescita musicale?
Cerco di essere il più onesto possibile nella mia musica, quindi per me questo significa accompagnare l’ascoltatore nel mio viaggio, il più vicino possibile, per per permettergli di sentire quello che provo in quel momento. Ho sempre amato la musica industrial, dato che i miei primi passi nella musica (quando avevo 12 anni) erano in una band metal/industrial come Rammstein e NIN che mi hanno portato a Throbbing Gristle e ad altri artisti con quella stessa vena. Quando ho iniziato ad allontanarmi dai miei lavori precedenti, non stavo cercando di seguire una “tendenza” o cose del genere, perché non penso che più di sei anni fa, fosse un genere di tendenza… semplicemente sentivo che fosse giusto per me. Fu in un momento in cui, per la prima volta, stavo affrontando il passaggio da Melbourne a Berlino, quindi mi sentivo come se nella mia vita stesse avvenendo una quadratura del cerchio: da quando ho iniziato a fare musica con quelle band e fino al perché sono diventato dipendente dalla musica e al processo di creazione in generale. Mi sembrava di riprendere da dove avevo interrotto, ma con uno sviluppo ulteriore. Un’altra cosa da aggiungere, c’erano molte emozioni che volevo trasmettere (ora che ci rifletto su) e penso di essere in grado di evocare quella sensazione con questo tipo di musica molto più che attraverso le mie influenze precedenti.
So che sei cresciuto in una famiglia in cui la musica era una cosa importante. Di quale strumento ti sei innamorato per primo?
Hai fatto le tue ricerche! Il sintetizzatore/tastiera è stata la prima cosa di cui mi sono innamorato quando avevo 12 anni e ho iniziato a prendere lezioni di piano; ma non era un “sintetizzatore” e l’ho trovato noioso perché volevo sperimentare e fare musica che non rientrasse solo in quella classica o da “curriculum”. Quindi, ho abbandonato le lezioni e ho iniziato a suonare la chitarra perché era piuttosto in voga nel 2001, ma era anche più economico e realistico per un bambino di 12 anni. Amo ancora i sintetizzatori e ho sempre sognato e pensato di creare questa musica elettronica ibrida nella mia testa, in cui la chitarra incontra i synth – ovviamente essendo fortemente influenzato dalle band industrial e dalla merda trash che stavano facendo a quel tempo. Con le band del liceo non volevo suonare Nirvana o Jazz Standards, volevo suonare cose dei NIN, volevo avere sequencer che andassero con il batterista e che fosse questo incrocio di musica elettronica e rock. Per un giovane al college nel 2001, tutta questa roba era praticamente impossibile da fare poiché le informazioni erano limitate. I Rammstein sono stati una delle prime band di cui sono diventato ossessionato, al punto che al college, ho formato una cover band con cui suonavo le loro canzoni nelle assemblee scolastiche – tutte cantate in tedesco. Ahah, senza dubbio, a quel punto eravamo probabilmente l’unica cover band dei Rammstein a Melbourne.
So che hai un passato con una band. Cosa significa esibirti dal vivo? Come ti senti sul palco? Ti senti a tuo agio ad essere un frontman o, più precisamente, un one-man-band?
Mi sento molto a mio agio ad essere sul palco e ad esibirmi dal vivo, in realtà ancora di più rispetto al djing in questo periodo. Quando suono dal vivo non devo pensare tanto quanto faccio quando faccio il DJ – di solito queste tipplogie di pensieri non vengono trasmessi in streaming: “a loro piace, devo aumentare un po ‘di energia” e così via. Detto questo, sono due situazioni ed esperienze molto diverse, ma adoro l’idea di essere completamente libero e sento che oggi, quando mi esibisco, non devo scendere a compromessi mentre suono il mio materiale.
Per me, il suono di Kris Baha ha due caratteristiche distintive: snare e vocals! Ti è sempre piaciuto cantare durante la tua vita? Quanto conta per te il contributo della voce nella tua produzione, così come nella tua esibizione dal vivo?
Ahah, sì, questa è una valutazione corretta. Da ragazzino, secondo mia madre (ecco che arriva la la classica storia di quando si è bambini…) cantavo sempre di fronte alla TV, nonché a tutti gli amici e i familiari che venivano a casa nostra.
L’ho fatto anche durante il mio primo viaggio musicale, quando ero nelle bande scolastiche. Poi mi sono lasciato il canto alle spalle per rimanere dietro le ombre dello studio e della cabina del dj. Ora che sto cantando di nuovo, mi sento come se stessi camminando per la prima volta come adulto – a volte è scomodo, ma è la cosa giusta, e trasmette una sensazione liberatoria. Ultimamente, l’aggiunta della mia voce alla mia musica mette una firma su quello che sto cercando di dire, e questa firma rinforza tutto. C’è stato un tempo in cui odiavo la voce in tutti i dischi dance e non volevo nemmeno suonare un sacco di brani con i vocals, ma ora non mi sento affatto così. Ho realizzato la mia tavolozza musicale/estetica e ciò che faccio non si limita solo all’esperienza di un club.
Quanto di questo album viene riprodotto dal vivo? Con quali strumenti? Parlaci del tuo flusso di lavoro e di come si è evoluto nel tempo.
Al momento sto suonando 2 brani dell’LP, “Living Nothingness” e “Non for the Sane”. Suono le parti di percussioni, vocals e suono qualsiasi extra leads sopra. Il mio live show è soprattutto una “performance” con molta energia. Cerco di mantenere lo spettacolo dal vivo proprio come farei c componendo musica nel mio studio, che di nuovo, è un processo molto “live”. Questo, rende il processo del suonare dal vivo queste canzoni più emozionante per me e spero che tutti lo sentano. Il mio spettacolo dal vivo consiste in un Elektron Octrack come sequencer principale, che fa scattare clip Midi sul mio Blofeld (che è multi-timbrico) e un Korg Volca Fm. Ho anche una tastiera midi che entra nel midi in del Blofeld così posso suonarci i lead. Le drums sono cura del mio Dave Smith Tempest e di un pad pad Alesis con un rullante Simmons SDS9 aggiuntivo. La mia voce è semplice, la utilizzo come send mandato dentro ad un delay Strymon El Capistan e ci sono anche altre sequenze extra che escono da un Moog Midi Murf ed altra tracce addizionali dall’Octatrack. Stavo andando in tournée con il mio Dave Smith Poly Evolver ad un certo punto, ed era folle fare un tour in quanto è così grande e stava iniziando a danneggiarsi, quindi ho dovuto condensare lo spettacolo. Mi ha permesso di spogliarlo davvero fino all’essenziale e di farcela con la performance nel suo insieme piuttosto che nerd con attrezzi sul palco.
(english version below)
Usually, when I have to interview an artist, I happen to try to imagine what kind of person the interviewed could be, based on the music he produces.
Sometimes, I happened to have the right intuition. It happens mostly when I I fall inside the music the artist produces.
From the beginning, I imagined Kris Baha, as a person with a very interesting sensitivity. It is perhaps logical that it could not be otherwise: we are talking about an artist who seems to make a deal with darkness, but in the end, his music conceals a certain romanticism, like a deep gaze with a veil of mysterious sadness.
The vision of music that comes from its own expressive colours palette, it inspired me. As well as a non-stagnant approach, but a continuous exploration activity. New gears, new challenges. New emotions? New ways to express them.
Kris Baha is now disconnected to the concept of clubbing-artist: he is anarchist in his versatility. Independent, in the breadth of his thoughts. Free, in expressing his humanity.
Hi Kris, welcome on Soundwall! We’re here to mark your debut album “Palais”, it’s our pleasure. It will officially see the light on 16th September on Cocktail D’amore Music. In this LP you skillfully fuse the past and present sonic aesthetics of 80s new-wave and post-punk, just driving by dance floor killer tracks to more experimental and psychedelic landscape. These tracks are recorded from 2015 to 2018. I can plainly feel a certain sound maturity in it, you think so? How did you get there?
Thank you for having me! What a nice way to put it, I do agree with this observation.
Well, it was a long path, about 5 years from completion to release with a lot of changes and obstacles but that’s all part of the journey. I think that’s what makes an LP interesting, the journey it takes you on.
In the early stages of making the LP I guess I wasn’t fully aware of what kind of statement I wanted to make in an LP format which is why it took so long but towards the end of 2017 I realised what I wanted to say as I was reflecting on myself, closing a chapter of my old life in Australia. Even though I first moved to Berlin in 2015, I was still going back to Australia for Christmas and to check up on my weekly party, Power Station. I decided to do the ‘final move’ in 2017, packing my studio, records, clothes & life into a shipping container to send over to Berlin. This realisation all made sense once I was finally grounded at the end of 2017, that ‘Palais’ is a nostalgic reminisce of my previous life.
How do you manage your setup with the amount of instruments you manage during your production and live performance as well? ‘Cause in this LP you can hear a remarkable orchestration.
Well, I have been collection equipment for some time now, maybe 17 years (I started when I was 12) but these days I am more about keeping my set up/ configuration limited to a specific music project or a specific series of works within those music projects. Choosing a different combination of machines that I already know quite well helps me translate what I am feeling in that point in time and overcomes the issues of ‘not knowing where to start’ or ‘which machine to start with’.
I must say though, ‘Palais’ at times does sound like a lot of different machines mainly because it was a 5-year process working on it through various studios spaces, apartments, planes etc.
Also, my live show is really stripped back now and very much about the performance.
Which one of the tracks of the album are you more fond of? Tell us its story.
If you would have asked me this Question 2 years ago I would have said ‘Living Nothingness’ or perhaps ‘Brink Reality 2’ (as they are some of the older tracks on the LP) – now, songs like ‘Defied’ & ‘Life, Lust & Death’ really resonates with me, Especially ‘Defied’. I love that its a “song” and still has all my recognisable sounds but flirts with Pop Sensibilities and isn’t just a 3 month throw away dance track which seems to be how things are consumed now.
Also, I had a futuristic cyberpunk vision when I was making it so for me it does evoke some kind of futurism at least in the initial creation.
What counts more for you: the mind’s eye or the technical skills?
The mind’s eye, for sure. Another perspective though is to learn everything technical and then forget it all and get lost in the mind’s eye.
An album is always a good way to tell more about an artist. In these 12 tracks, you definitely confirm your identity, but there’s also something else that Kris wants to tell us?
Is this a clearing the closet for cobwebs question? Some things are better left to the listener’s imagination but I will say this, there’s plenty of more music from me on the way but it’s a new chapter.
Okay, let’s stick with a general overview. For me, your music is clearly son of your own sensitivity and I can assume from your discography that you went from more new wave/disco influences to more industrial/EBM. Is this a projection of you as individual or more your musical growth?
I try to be as honest as possible in my music so for me this means taking the listener in on my journey as closely as possible to let them feel what I am feeling at that time. I always loved Industrial music as my early music beginnings (when I was 12) was Industrial metal bands like Rammstein & NIN which then led me to Throbbing Gristle and other artists of that vein.
When I started to move away from my previous stuff, I wasn’t trying to follow a ‘trend’ or so because I don’t think that it even was a trend 6+ years ago… it just felt right. It was at a time when I was first transitioning from Melbourne to Berlin too so it was almost like my life was coming full circle from when I first got into music with those bands and why I got hooked on music and the creating process in general. It felt like I was picking up from where I left off but taking it further.
Another thing to add, there was a lot of emotions that I wanted to convey I think (now that I reflect on it) I am able to evoke that feeling in this kind of music more than my previous influences.
I know you grew up in a family where music used to be an important thing. Which instrument did you fall in love with first?
You have done your research! The Synthesizer / Keyboard was the first thing I fell in love with when I was 12 and started getting piano lessons but it wasn’t a ‘synthesiser’ and I found it boring as I wanted to experiment and make music that wasn’t just classical or ‘curriculum’ based so I abandoned lessons and took up Guitar as that was pretty in vogue in 2001 but also was cheaper and more realistic for a 12 year old to own.
I still loved synthesizers and was always dreaming and thinking about making this electronic hybrid music in my head where guitar meets synths – obviously being highly influenced by Industrial bands and trashy shit of that time that were doing that. In high school bands, I didn’t want to play Nirvana or Jazz Standards, I wanted to play stuff from NIN, I wanted to have sequencers going along with the drummer and to for it to be this intersection of electronic and rock music. In 2001 all this stuff was pretty near impossible for a young teen in college to do as information was limited.
Rammstein was one of the first bands I became obsessed with, to the point that I formed a cover band in college and played their songs at school assemblies – all sung in German.
Haha, Arguably, we were probably the only Rammstein cover band in Melbourne at that point.
I know you have a past with a band. What does it mean to you performing live? How do you feel on the stage? You feel comfortable to be a frontman, or more precisely a one-man-band?
I am very comfortable being on stage and performing live, actually even more so then djing these days. When I play live I don’t have to think as much as I do when I DJ – usually, these thoughts aren’t streaming in ‘are they liking it, I need to get the energy up a bit’ and so on. That being said they are 2 very different situations and experiences but I love the idea of being completely free and I feel that when I am performing nowadays and that I don’t have to make compromises as I am performing my own material.
For me, Kris Baha’s sound has two distinguishing features: snare and vocal! You always liked to sing during your life? How much it matters for you the contribution of the voice in your production and just like in your live performance?
Haha, yes, that is a fair assessment. As a little boy according to my mother (Classic child story coming on), I was always singing in front of the TV as well as to any friends and family members that were over at our place. I did do some of that in my early musical journey too when I was in school bands but then I left it behind to be behind the studio shadows and DJ booth. Now that I am doing it again it does feel like I am walking for the first time as an adult – it’s uncomfortable at times but it feels right, it feels liberating.
Lately, adding my voice in my music puts a signature on what I am trying to say, to reinforce it all. There was a time where I hated vocals on any dance records and wouldn’t even play a lot of vocal tracks but now I don’t feel that way at all. I have realised my musical palette/aesthetics and that what I make is not just limited to a club experience.
How much this album is played live? With which instruments? Tell us about your workflow and how did it evolve over time.
I’m playing 2 tracks from the LP right now, ‘Living Nothingness’ and ‘NON for the Sane’. I play the percussion parts, Vocals and playing any extra leads on top. My live show is very ‘Performance’ based on a lot of high energy. I try to keep the live show just how I would make music in my studio, which again, is a very ‘live’ process. This makes the process of playing these songs live more exciting for me and hopefully, everybody feels that.
My live show consists of an Elektron Octrack as the main sequencer, triggering Midi clips to my Blofeld (which is multi-timbral) and a Korg Volca Fm. I also have a midi keyboard going to the Midi in of the Blofeld so I can play leads on top. The drums are being taken care of my Dave Smith Tempest as well as an Alesis Drum pad pro with an additional Simmons SDS9 Snare drum. My voice is straightforward, I’m just running it as a send into a Strymon El Capistan delay and there is also some extra sequences running out from a Moog Midi Murf and additional backing tracks from the Octatrack.
I was touring with my Dave Smith Poly Evolver at one stage, which was insane to tour with as it’s so big and was starting to get damaged so I had to condense the show. It allowed me to really strip it down to the essentials and make it about the performance as a whole rather than nerd out with gear on stage.
