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[tab title=”Italiano”]Jake Wherry e Ollie Teeba provengono da un area a ovest di Londra, Twickenham per la precisione, condividono la passione per il funk, il jazz, l’hip hop, sono entrambi segnati da artisti profondamente differenti fra loro come James Brown, DJ Premier, Lalo Schifrin, Pete Rock, David Axelrod, amano i film, il vintage e le sneaker (in particolare Ollie Teeba con la sua collezione da più di 250 paia fra Puma e Adidas) e nei primi anni novanta danno vita al duo The Herbaliser, una pozione, un filtro, un “rimedio” fatto di quanto citato sopra. In Italia le loro apparizioni con la band al completo non sono numerose, anzi, se ne conta solo una a Milano qualche anno fa, a cui alcuni di noi hanno avuto la fortuna di partecipare. Il sottoscritto invece li ha incrociati ad un festival in Nord Europa e ancora si ricorda bene i brividi dovuti ai soli di tromba e sax su “Can’t Help This Feeling” e “Stranded On Earth”: fuori un inferno di vento, pioggia e fango, dentro il tendone il paradiso. Da quel giorno il tarlo di riuscirci a fare due chiacchiere è sempre stato lì, ben nascosto e fastidioso. In fervida attesa di un loro prossimo live nel bel paese siamo riusciti, finalmente, a scambiare due parole con Ollie Teeba, producer e disk jokey del duo.
Cominciamo con qualche domanda di routine per rompere il ghiaccio: come è iniziata la storia dei The Herbaliser? Quali i luoghi e le situazioni che hanno reso possibile la nascita di questo progetto?
In realtà non è una storia molto eccitante o inusuale: un amico che Jake ed io avevamo in comune stava lavorando ad una traccia nello studio di Jake; al tempo ancora non potevamo dire di conoscerci, anche se ci eravamo incrociati qualche anno prima. Questo amico in comune mi chiese di andare in studio per collaborare alla creazione e all’arrangiamento della traccia e fu così che io e Jake scoprimmo di avere molto in comune per ciò che concerne la musica. Proprio per questo ci impegnammo a lavorare insieme. Così iniziò tutto.
E quando e come è saltato fuori il nome “The Herbaliser”?
(ride) Fu Jake a uscirsene con quel nome. Originariamente ci chiamavamo ”Nam’s Illest Entertainment”. Era una specie di gioco di parole più che altro comprensibile da chi viveva nel quartiere di Twickenham, zona di Londra da cui noi proveniamo. Dei nostri amici scherzando si riferivano a Twickenham chiamandola “Nam”, allo stesso modo in cui i veterani di guerra chiamano il Vietnam. In poche parole, quando arrivammo alla Ninja Tune ci dissero che il nome era improponibile e che ne avremmo dovuto trovare un altro. “The Herbaliser” fu la prima opzione che nessuno di noi due disprezzò. Deriva da un tizio degli anni ’70 che faceva della musica che apprezzavamo molto, si chiamava Peter Herbolzheimer.
Avete poi intitolato il vostro primo album “Remedies”, viene da pensare che consideravate voi e la vostra musica come una medicina…
Non riesco a ricordar bene se alla fine arrivammo a quel nome semplicemente perché funzionava. Ho un vago ricordo che, ad un certo punto, ci sentivamo come se fossimo agli antipodi dei The Chemical Brothers, quindi Remedies potrebbe avere un significato in questo senso… Ma no, sono abbastanza sicuro che questo pensiero arrivò più tardi di quel disco. Difficile a dirsi, a quel tempo fumavamo molto, ma molte (ride).
“Remedies (1995)” fu la vostra prima uscita come The Herbaliser. Prima uscita e subito Ninja Tune. Nonostante l’etichetta fosse nata solo da qualche anno fu una bella soddisfazione immagino?
Avevamo mandato qualche demo ad un paio di etichette, ma non avevamo ricevuto risposta da nessuna. Jake mi disse che un tizio che aveva conosciuto a scuola negli anni ’80 (Patrick Carpenter, il Patrick dei Dj Food e Cinematic Orchestra per intenderci) lavorava alla Ninja Tune. A casa avevo un Jazz Breaks piuttosto funky del duo Dj Food quindi ci sembrò un’ottima soluzione, o, perlomeno, un ottimo tentativo da fare. Inoltre, c’è da dire che “abbiamo studiato” prima di mandare la demo: ero arrivato a sapere che i Coldcut erano i proprietari della label. Avevo apprezzato molto i loro primi lavori, che erano profondamente ispirati a “Lessons 1,2 & 3” di Double Dee and Steinksi. Jake stava lavorando ad un beat che aveva quasi concluso, così mi sbrigai a metterci le mani sopra aggiungendo qualche altro samples oltre a — e questa penso sia la cosa rilevante — interi dialoghi di vecchi film. Era esattamente questo, infatti, che Coldcut e Lessons 1, 2 & 3 avevano in comune e pensavamo quindi che il nostro richiamo avrebbe potuto incuriosirli. Alla fine pare che il giochetto funzionò.
Dopo il secondo album (alla fine dei ’90) la band raggiunge i 9 elementi e iniziate a collaborare, oltre che con Jean Grae, anche con Blade e Roots Manuva. Come mai quest’espansione?
Beh, in realtà questo era l’idea che avevamo in mente fin dall’inizio ma che in partenza non abbiamo potuto realizzare, più che altro perché non conoscevamo nessun rapper. Al tempo, fra il il ’93 e il ’95, nel Regno Unito le cose non brillavano per ciò che riguardava l’hip hop. Molte etichette e soprattutto il giornalismo musicale inglese aveva smesso di supportarlo. Diversi MC e produttori si erano diretti verso altri generi quali la jungle, il garage e via di scorrendo. Così decidemmo di provare a creare un’interessante variante strumentale dell’hip hop, giocandoci i nostri punti di forza, ovvero i musicisti che conoscevamo. Abbiamo iniziato così a combinare i nostri sampled beats con strumenti suonati sul momento; una cosa non assolutamente nuova, certo, ma visto che eravamo molto presi anche dalle colonne sonore dei film lavorammo più su quel tipo di arrangiamento piuttosto che fermarci a fare semplicemente un hip hop strumentale privo di MC.
Immagino le novità più importanti riguardino il modo di creare le tracce. Mi spiego meglio: voi, viste anche le vostre origini musicali, avete sempre campionato moltissimo, da Tony Esposito a Mina, da Herbie Hancock a Quincy Jones (tanto per buttare lì qualche nome). Con la creazione di una band si passa invece dal campionare al vero e proprio rivisitare. Penso sia una differenza considerevole…
Shhhh. Non fare nomi, non fare nomi che ci beccano! (ride) In molti casi preferiamo chiedere ai musicisti di suonare ciò che quella traccia o quello stralcio li portano a suonare. Spesso non hanno neanche familiarità con la traccia che abbiamo campionato. A volte, invece, optiamo per il ricreare da zero il sample con i musicisti, e questo avviene o quando ci sono dei problemi o delle insoddisfazioni riguardo la traccia originale o anche quando vogliamo semplicemente migliorare l’utilizzabilità di quella traccia secondo idee ben precise. Non si tratta semplicemente di evitare questioni legali quindi.
Certo, immagino però che dal punto di vista legale la rivisitazione di un brano possa far evitare qualche fastidio rispetto al semplice campionamento, o forse no?
Ormai non fa più così tanta differenza a dire il vero. E’ tutto visto come campionamento. Con questo termine oggi si indicano tutti gli utilizzi di parti di composizioni come porzioni di nuove.
Un ultima curiosità a riguardo: riascoltando i vostri brani riuscite sempre a riconoscere i sample che avete usato?
Non sempre.
Con il tempo vi siete creati uno zoccolo duro di ascoltatori affezionati a voi ed al vostro genere. Allo stesso tempo in un’intervista avete detto che è fondamentale ricordar sempre che è necessario uscire dalla “comfort zone”, sviare da quello che la gente si aspetta. Perché, per sé stessi o per il pubblico?
Credo che ci sforziamo sempre di creare un buon equilibrio fra ciò per cui siamo conosciuti e la ricerca di nuove idee. Da una parte, non vogliamo semplicemente ripeterci di continuo, cosa che immagino nessuno vorrebbe, sia per sé stessi che per l’audience. Ma, dall’altra parte, sono spesso deluso da gruppi che decidono di punto in bianco di voltare le spalle al loro classico modo di suonare. Poi alla fine ciò che conta è far ciò che si vuole fare. Penso che il giorno in cui un artista inizia ad analizzare e quantificare il proprio pubblico coincida con quello in cui va a perdere la propria presa su di esso.
Inoltre ho letto che negli ultimi anni vi siete avvicinati maggiormente alla dance music. Vi ha colpito qualcosa in particolare?
Dove lo hai letto? Non ricordo di averlo detto, anche perché, pur essendo la nostra musica funky e molto ballabile, trovo il tentativo di legar se stessi solo ad un genere musicale che la gente possa ballare profondamente limitante. Ho sempre amato alcune tracce dance, ma ciò che facciamo era e continua ad essere inspirato a musica d’ogni genere.
Sarei curioso di sentire la tua opinione su Gramatik… Che mi puoi dire?
Ad esser sincero non ho familiarità con quest’artista, e la cosa non mi sorprende. C’è un gran numero di artisti, magari anche molto popolari, di cui non ho mai ascoltato nulla.
Come mai la Ninja Tune non ha voluto pubblicare Session 1 (album registrato in studio in presa diretta)? E’ per ovviare a questo problema che è nata la vostra label Department H.?
Sì, fu creata proprio perché volevamo quell’album. Molte persone che avevano assistito ai nostri live desideravano un disco con lo stesso vibe. Session 1, così come i nostri live, era più spontaneo rispetto ai nostri lavori in studio di quel periodo. Non so dirti con precisione perché la Ninja Tune non volle pubblicarlo, però ricordo bene che non ebbero nulla da ridire sulla creazione di una nostra etichetta per la pubblicazione dell’album, anche se fuori contratto.
The Guardian, commentando Session 1, lo aveva descritto come una “sterling proof that this kind of music invariably sounds better played by musicians than by a sampler”. Siete d’accordo con questa affermazione?
Scrissero quella cosa a causa di un’impressione errata di cui si erano convinti, ovvero che in quel disco non ci sono sample pre-registrati. Il sound dei nostri live è sempre una mistura di sampled beat e artisti che suonano. Quando portammo la The Herbaliser Band sul palco era da poco sfumato il periodo dell’acid jazz, che noi avevamo vissuto come una specie di genere retrò. Volevamo fare qualcosa di nuovo. Volevamo lo stesso tipo di impatto che si ha dai beat hip hop ma anche la spontaneità e l’atmosfera a cui i musicisti danno vita quando suonano live.
Dopo Session 1 e Session 2 avete in programma di registrare una vero e proprio live, con tanto di applausi e urla del pubblico?
Lo abbiamo fatto. Abbiamo registrato un Live in Paris da vendere agli show. Ha venduto poco e niente e ci siamo ritrovati con un mucchio di scatoloni pieni di CD.
Diamine, non l’avrei mai detto. Ho assistito a qualche vostro live con la band e devo dire che sono stati semplicemente fenomenali, sarebbe bello portarsi un po’ di quell’energia dentro casa.
Puoi farlo! Passa, come ti dicevo ne abbiamo a scatoloni qui.
Hip-Hop, Jazz, Funk sono i pilastri alla base degli Herbaliser. Parlando del primo e dei suoi testi, una delle caratteristiche uniche di questo genere penso sia il suo raccontare cose, storie, situazioni… Jean Grae ne è ancora un ottimo esempio, è una vera e propria storyteller. Quello che mi chiedo però è: come si vanno a legare i testi di un MC ai vostri brani? Chi sceglie di cosa parlare?
Lasciamo sempre la possibilità ad ogni MC con cui lavoriamo di fare qualsiasi cosa vogliano sopra la traccia che gli proponiamo. Molti dei nostri brani sembrano parti di colonne sonore e danno la sensazione che ci sia una storia già scritta, così molte delle voci con cui lavoriamo trovano spontaneo basarsi su queste. Jean Grae in particolare è un artista molto intuitiva e va a braccio, esprimendo ciò che sente al momento, in studio, invece che arrivare con un libro di rime pronte all’uso sottobraccio.
Avete dato un’occhiata a questo?
Niente male, è divertente. Ho appena comprato una copia di questo poster. Mi piace l’intelligenza in tutte le cose, nell’hip hop in particolare.
Torniamo ai vostri album, più precisamente alle copertine: sbaglio o c’è una certa attenzione per questo aspetto?
Sono stato un visual artist in passato. Ho fatto graffiti, studiato graphic design al college, ma non ho mai seguito quella strada dal punto di vista professionale. Ho ancora molte idee in questo senso e spesso mi immagino molto precisamente come vorrei uscisse fuori la copertina di un LP. E’ veramente importante che la difficoltà che si incontra nel rendere visivamente un album non si abbatta sulla creazione musicale stessa. Non a caso affianco un designer, ovvero Strictly Kev (Dj Food), nick da designer: Openmind. Trasferiamo a lui le nostre idee, dandogli ovviamente la libertà di modellarle secondo il suo stile. Lo scopo è creare qualcosa che incuriosisca la gente, qualcosa che, anche dopo anni, faccia esclamare “wow, sembra interessante”, impressione che con ogni probabilità costituisce il primo passo per far sì che si prenda in mano il disco. Personalmente vorrei che la grafica fosse tanto coinvolgente da far comprare il disco a prescindere dal suo contenuto.
Immagino sia inutile chiedervi se ne avete una prediletta, quindi passo direttamente al vostro ultimo lavoro: la copertina di “There Was Seven” è un misto di silhouette dal sapore western, uomini che fuggono inseguiti da circuiti, lo skyline di una città e una sorta di bocca della verità… aiutateci a fare ordine! Qual è il significato?
E’ una storia che abbiamo cercato di nascondere nell’album. Molte delle tracce che Jake ed io abbiamo scritto in passato sono come delle piccole storie che hanno un inizio ed una fine. Questa volta invece abbiamo pensato sarebbe stato interessante organizzare la sequenza dei brani come se tutti facessero parte di uno stesso film. In questo modo, se si ascolta secondo l’ordine, il disco sembra raccontare una storia. Ovviamente questo è stato palesato anche agli MC che hanno preso parte al disco così che potessero integrare quest’idea ai loro testi. La storia, senza entrare troppo nel particolare, narra di una banda di guerrieri (come i Sette Samurai o i Magnifici Sette) che ritornano sulla terra e la ritrovano irriconoscibile, a causa di una macchina che ora la tiene sotto scacco. E’ poi in realtà una metafora del modo in cui noi ci sentiamo all’interno dell’industria musicale.
Poche settimane fa è uscito il corrispettivo album di remix: “There Were Seven Remixes”. Come mai avete deciso, per la prima volta, di farne uno? Come è nata l’idea?
Con il nostro ultimo album “There Were Seven” stavamo perlopiù promuovendo noi stessi, e proprio in quel periodo Jake ha iniziato ad esser molto attivo su Twitter. Lì ha conosciuto diverse persone, producer, per la maggior parte più giovani di noi, che erano molto interessati a remixare alcune delle tracce del nostro album. Non abbiamo individuato nessun problema o svantaggio nel dare loro una spinta e quando abbiamo sentito la qualità dei risultati abbiamo pensato che sarebbe valsa la pena di fare un album di remix. Abbiamo unito ai lavori di questi ragazzi quelli di qualcun altro per cui avevamo fatto qualcosa tempo fa e quelli di un altro paio di producer di talento con i quali avevamo buoni rapporti.
La cosa bella è che se si ascolta tutto d’un fiato non sembra neanche una collezione di remix ma un vero e proprio album…
L’ordine in cui si ascoltano le tracce di una album è una cosa molto importante, a mio parere. Oggi gli album sono perlopiù cazzate, cestini di tracce in cui l’ascoltatore può scegliere quali scaricare. E’ una cosa stupida. Puoi scegliere quale parte di un libro comprare? Quale parte di un film vedere? Tutto ciò sta uccidendo l’arte di creare un album.
Chiudiamo accennando ad un’altra forma d’arte vicina alla vostra musica: i film. Quanto vi siete divertiti a girare quel video alla Edgar Wright per “March of the Dead Things”? Di chi è stata la malsana idea di far uscire dal bagno Ghettosocks con una lady-zombie?
La colpa è di Caley McLennan, il regista, è sua l’idea. E’ un buon amico di ‘Socks, così come lo siamo noi. La presa in giro è che Ghettosocks è un tal cane che riuscirebbe a coinvolgere in giochi sessuali anche degli zombie.
Purtroppo non abbiamo tempo per parlare anche dei film che hanno usato la vostra musica come OST, ma dateci 3 titoli che, per un qualsiasi motivo, vi sentite di consigliare. Ovviamente “L’alba dei morti dementi” di Edgar Wright è fuori gara!
Beh, Snatch è sempre un’ottima visione. Se vogliamo collegarci alla nostra musica, però, si tratta perlopiù di serie televisive. “Six Feet Under”, “Entourage”, tutte consigliabili devo dire.
Ed ora a cosa state lavorando? Nuove pubblicazioni sulla Department H.?
Sì, Dep H. è la nostra nuova casa ora. Oggigiorno non ha più molto senso stare con un’etichetta, a meno che non abbia dei grandi e muscolosi PR che possono darti visibilità in un mercato ultra-saturo. Al momento sto lavorando ad un nuovo LP firmato Ollie Teeba e ad un mio altro progetto Soundsci. Jake ed io dovremmo iniziare a breve a lavorare a qualcosa di nuovo.[/tab]
[tab title=”English”]Jake Wherry and Ollie Teeba come from West London, Twickenham to be exact, they share a passion for funk, jazz, hip hop, and are both marked by artists profoundly different from each others like James Brown, DJ Premier, Lalo Schifrin, Pete Rock, David Axelrod; they love movies and sneakers (in particular Ollie Teeba with his collection of more than 250 pairs of Puma and Adidas) and in the early nineties they gave life to the duo The Herbaliser, a potion, a filter, a “remedy” made of what we’ve mentioned above. In Italy their appearances with the full band aren’t so numerous, in fact we remember only one few years ago in Milan, to which some of us had the good fortune to attend. About me, I listened to them at a festival in Northern Europe and I still remembers the thrill due to the trumpet and sax solos on “Can not Help This Feeling” and “Stranded On Earth”: outside there was a living hell of wind, rain and mud, inside the tent there was the paradise. Waiting for a new live in Italy, we finally had the chance to exchange a few words with Ollie Teeba, producer and disk jockey of the duo.
Let’s start with some usual question to break the ice: how did the story of The Herbaliser begin? What places and situations have made possible the birth of this project?
It’s not a very exciting or unusual story. A mutual friend of Jake and myself was putting together a track with Jake at his studio. Jake and I didn’t really know each other, although we had met briefly, a few years earlier. The friend asked me to come in and help them create and arrange the track. Jake and I discovered that we had a lot in common regarding what stuff we were into. We decide we would carry on working together and things grew from there.
And when and why you’ve chosen the name “The Herbaliser”?
Hah. Jake came up with it. We originally called ourselves “Nam’s Illest Entertainment”. It’s sort of an in-joke about Twickenham, where we are from. Friends of ours used to jokingly refer to Twickenham as ‘Nam’, in the way vets would refer to Vietnam. When we connected with Ninja they basically said the name was shite and to come up with another one. The Herbaliser was the first name either of us thought of that we didn’t hate. It comes from a dude from the 70s whose music we were quite into, called Peter Herbolzheimer
Then, you entitled your first album “Remedies”… It’s like you considered you and your music as a medicine, as a way out…
I can’t really remember whether we just came up with it because it seemed to fit. I seem to remember thinking, at one point, that we were the antithesis of The Chemical Brothers but I’m pretty sure that was a thought that came later. Difficult to say as, at the time we were very, very stoned haha
“Remedies” (1995) was your first release as “The Herbaliser”, first release and immediately on Ninja Tune. Despite the label at that time was born only few years earlier, I guess it was a great satisfaction, isn’t it?
We had submitted a few demos to a couple of different labels and had received no interest from them. Jake told me that a dude he had been at school with in the 80s (Patrick Carpenter of DJ Food and Cinemetaic Orchestra) was working there. I had a DJ Food Jazz Breaks record which I thought was pretty funky and it seemed like it might be a good fit for us. I also happened to know that Coldcut owned the label. I had been a big fan of their early work, which was very much inspired by Lessons 1,2 & 3 by Double Dee and Steinski. There was a beat that Jake had done most of the work on already that I jumped on and added some other samples to, plus, and I think this was significant, added a whole bunch of old movie dialogue as well. This was something that Coldcut and Lessons 1,2 & 3 had in common and I thought they would respond to it. It seemed to do the trick.
After the second album, at the end of the 90s the band reaches the number of 9 elements and you also started to work with different artists, as well as with Jean Grae even with Blade, Roots Manuva an others. Why?
Well, this was kind of what we wanted to do in the first place but we didn’t really know any rappers. Things weren’t great for UK Hip Hop at the time (1993-95). A lot of labels and in particolar, the UK music press had stopped supporting it. Many MC’s and producers had gone into other genres like Jungle, Garage etc. So, we just decided to try and create an interesting instrumental Hip Hop variation, playing to our strengths, which were the musicians we knew. We combined our sampled beats with the musicians playing, which of corse was nothing new but, we were also really into movie soundtracks and kind of worked to those kind of arrangements, instead of just making Hip Hop but with the MC removed.
I guess one of the most important changes is the way of creating the tracks. Let me explain: you have always sampled a lot, from Tony Esposito to Mina, from Herbie Hancock to Quincy Jones (just to mention some), but with the creation of a band there is a transition from the sampling to the actual revisiting. I think it’s a considerable difference for you…
Shhh. Name no names. Haha. In many cases we would bring the musicians in and just let them vibe off what they we hearing. Often they would not be familiar with the original recording that we had sampled. We sometimes would opt to recreate the sample with the musicians if we wanted to take it somewhere that merely lifting the audio wasn;t going to achieve. Only when it was going to improve what we were trying to do. Not just to avoid lawsuits.
Even from a legal standpoint, I imagine revisiting a track instead of sampling it allow you to avoid some bother… or maybe not?
These days it doesn’t make a whole lot of difference. It’s all seen as sampling. ‘Sampling’ has basically become a term used to describe the incorporation of parts of other compositions as a portion of a new one.
One last curiosity: listening again to your songs, even the first ones, do you always recognize and remember the sample you used?
Not always.
By the time you’ve created your hard core audience, fond of you and of your sound. At the same time, in an interview you said it’s essential to always remember that you need to get out from the “comfort zone”, deflect from what people expect. Why? In your opinion, is this important for your growth or for the audience?
I think we always strive to create a balance between what we are known for and trying new ideas. On one hand, you don’t want to be just doing the same thing over and over again. Both for yourself and for the audience. But on the other I would often be disappointed with groups that just turned their back on the way they used to sound. Ultimately, you need to just do what you want to do. I think the day you start trying to analyze and quantify what it is your audience like about you and deliver that then you will lose your grip on it.
I have also read that in recent years you have approached more to dance music. What impressed or like you more recently?
I don’t know where you heard that? While a lot of our music is funky and very danceable, I personally find the concept of tying yourself to only making music that people can dance to very limiting indeed. I have always liked certain dance tracks but we are inspired by all kinds of stuff.
I’m curious to hear your opinion about Gramatik…
I’m not familair with that particolar artist. Not surprising really. There are a number of very popular artists these days who I’ve never heard of.
Why Ninja Tune didn’t want to publish Session 1? Was to avoid this problem that you created the Department H. label?
Yes that was created because we wanted to make that album. Many people aattending our live shows wanted a record of the kind of sound that we were making onstage. It had a more spontaneous feel than our studio recordings of that time. I don’t know why Ninja didn’t want to do it but they had no objections to us releasing it outside of our contract with them.
The Guardian, commenting Session 1, described it as a “sterling proof that this kind of music invariably sounds better played by musicians than by a sampler”. Do you fully agree with this statement? Why yes/not?
They are making this statement under a false impression that they have created in their own minds. That there are no recorded samples on it. Our live sound has always been a mixture of sampled beats and musicians performing. When we took The Herbaliser onstage it was a very short time after the demise of Acid Jazz, which we saw as a mostly retro genre. We wanted to do something new. We wanted the same kind of impact that you get from Hip Hop beats but the spontaneity and atmosphere that musicians create when performing live.
After Session 1 and Session 2 in studio, do you plan to record a real live performance, complete with all applause and audience screams?
We have done. We did a Herbaliser live in Paris CD to sell at shows. It sold in dribs and drabs and we ended up with boxes of un-sold CDs.
What a pity! I’ve attended some of your live performances with all the band and I have to say they were simply phenomenal… it would be nice to bring a bit of that energy and beauty at home.
You can! We’ve got bloody boxes and boxes of them.
Hip-Hop music, Jazz and Funk are some of the main pillars at the base of The Herbaliser. Speaking of the first one and of its lyrics, one of its typical features is the aim of telling things, stories, situations… Jean Grae is still a very good example of this, she is a real storyteller. The question is: how music and MCs words are bound together in your song? Who choose what to tell?
We always let any MC that we worked with, do whatever they wanted over the track. A lot of our work has a soundtrack feel and so gives the sense of a story being told and some of the vocalists we worked with really picked up on that. Jean Grae in particular is a very intuitive artist and goes with what she is feeling in the studio at that moment. Rather than coming with a book of pre-prepared rhymes.
Have you ever taken a look at this?
It’s funny. I just bought the poster of this. I like intelligence in all things, Hip Hop in particolar.
Let’s go back to your albums, or more precisely to their covers: am I wrong or is there a particular attention to this aspect? How much is the artwork on the cover important respect the finished product?
I used to be a visual artist. I did graffiti and studied graphic design at college but never followed through with it as a career. I still have a lot of visual ideas and often a picture in my mind of how I want the LP cover to look. It’s incredibly important to not let the music down by having no idea how to represent it visually. So. I work with the designer, who, in the case of The Herbaliser is Strictly Kev of DJ Food (as a designer Openmind). Throwing ideas at him and of course giving him the freedom to mix those up with his own to come up with something that people can pick up, even years later and go “wow this looks interesting”, which of course is the first step towards them checking it out. Personally, I want the artwork to be so engaging that you would buy it for that alone.
I guess it would be useless to ask you if you have a favorite cover, so I go directly at your last job: the cover of “There Was Seven” is a mixture of western silhouette, men chased by circuits, a city skyline and a sort of Mouth of Truth… help us to tidy up this mess! What is the meaning?
It is a story that we kind of hid within the album. A lot of tracks that Jake and I have made are like little scenes and stories. So, this time, while some of the compositions were already partially complete we thought it would be interesting to arrange the sequence as a movie soundtrack does and have the whole thing, when listened in order, feel like a narrative of some kind. This was also made apparent to the MCs who took the ideas and integrated them iinto their lyrics. It’s essentially, without going into too much detail, a story of the a band of warriors (like the Seven Samurai/Magnificent Seven) who return to the world to find it unrecognizable as it has been taken over by a machine. It’s basically a metaphor for how we feel about the music industry.
Some weeks ago it was released the remix album (your first remix album!): “There Were Seven Remixes”. Why did you decide to have also a remix album this time? How was the idea born?
With the last album There Were Seven, we were mostly promoting it ourselves and Jake in particular became very engaged with Twitter. On there, he was meeting a lot of mostly younger, newer producers who were very keen to remix some of the tracks from the album. We didn’t see any harm in giving them a go and when we heard the quality of the work that came out of it, we decided that a remix album could be a worthwhile project. So, as well as using these guys mixes we had a few people that we had done remixes for plus a couple of other talented producers with whom we had a good relationship, contribute as well.
The cool thing is that if you listen to it all in one breath it does not seem a collection of remixes but a real album…
The sequence in which you hear the tracks of an album is very important, in my opinion. Today albums are mostly bullshit, as they are designed so that todays audience can pick and choose which bits they download. It’s stupid. Can you pick which chapters of a book you buy? Or which parts of a film you watch? It is killing the art of creating an album.
Let’s close this conversation talking about another element that I think is, for various reasons, close to your music: films. In first place, how much did you enjoy the shooting of the “March of the Dead Things” video? Edgar Wright style! Who had the insane idea to have Ghettosocks and a lady-zombie coming out from the same toilet?
That was the Caley McLennan, the director. His idea. He’s a great friend of ‘Socks, as we all are. The joke is the Ghettosocks is such a dog that he will even indulge members of the walking dead in loveplay.
We have no time to talk about films that have used your music as OST, but could you leave us 3 titles of films that, for whatever reason, you would suggest? Obviously “Shaun of the Dead” by Edgar Wright is out of the race!
Well Snatch is always a good watch. It’s probably more good TV shows that have featured us. Six Feet Under, Entourage, all very entertaining.
And now what are you working on? New publications on Department H., maybe?
Yes. Dep H is our home now. There’s not much point in being with a label these days, unless they have serious PR muscle with which to make you visible in a very over-saturated marketplace. At the moment I’m preparing to release an Ollie Teeba LP and have been working with my other project Soundsci. Jake and I should be starting up something new very soon.[/tab]
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