Presentare un personaggio come Speedy J non è cosa facile. Nonostante sia ormai un emblema per il mondo della techno, sarebbe sbagliato e riduttivo rilegare la sua figura solo ed esclusivamente a quell’ambiente. Speedy J, o meglio Jochem George Paap, non è solamente un artista techno, è molto di più. Lo dimostrano, ad esempio, le sue prime produzioni rilasciate sulla Warp Records e sulla Plus 8, la suo concezione e il suo interesse per la collaborazione, la sua opinione sulla tecnologia e la metafora attraverso la quale ci ha spiegato l’importanza di quest’ultima nelle sue produzioni; per non parlare poi degli albori, di quando Jochem ha iniziato a girare per locali creando beat per un gruppo di rapper, gli stessi rapper che hanno coniato il nick “Speedy J”. Ascoltando le produzione di un’artista spesso si potrebbe cadere nell’errore di generare un alter ego dello stesso, una persona che creiamo sulla base dell’ascolto della sua musica. Jochem, come suddetto, è uno dei più storici rappresentati del filone techno (quella vera), ma, una volta seduti al tavolino del suo albergo con vicino le borse dei dischi e degli hardware pronte a scappare verso la location, potevamo essere due che stavano parlando di una qualsiasi cosa: un tono di voce pacato e controllato, informalità e una gran voglia di chiacchierare e condividere con noi, tanto che dopo 30 minuti, una volta finita l’intervista, ci ha detto “ma come, già finita?!”. Questa volta non ci siamo fermati solo all’intervista, siamo rimasti sul palco con l’artista per tutta la durata del dj set (un dj set che assomiglia quasi a un live set); abbiamo osservato il suo modo di lavorare, il suo modo di rapportarsi con il pubblico e di vivere la serata: massima serietà ma senza rimanere freddi, della serie “qui si fa musica, non si gioca”. Proprio per queste ragioni sarebbe un peccato non cercar di approfittare di un tale personaggio, per questo ciò che vi presentiamo possiamo dire sia la prima parte della nostra intervista, la base di una chiacchierata che verrà ripresa il prima possibile al fine di rubare a Speedy J ancor più ricordi, ancor più racconti e curiosità. Questa volta abbiamo parlato degli albori, dei cambiamenti, del concetto di collaborazione, delle nuove tecnologie, dell’Electric Deluxe e di come trasformare il dj set in un viaggio… e inoltre, vi siete mai chiesti cosa fa di un artista un grande artista?!
Sei stato uno dei pionieri della Techno e ora il tuo nome e praticamente sinonimo del genere stesso. Raccontaci come è nato Speedy j: cosa ti viene in mente se pensi alle vere origini?
(ride) Praticamente mi stai chiedendo di andare indietro a una cosa come 25 anni fa! Sono sempre stato interessato alla musica, è da quando vado a scuola che è il mio interesse principale e che ne sono in qualche modo coinvolto… sai, registrando nastri con amici e cose del genere. A quel tempo ancora non l’avevo capito, ma ora, se guardo indietro, è evidente che sono sempre stato più interessato alla qualità della musica, alle atmosfere che essa genera più che ad altri suoi aspetti come le parole e questo anche quando la Techno e generi simili ancora non esistevano. All’inizio tutto girava intorno al comprar dischi e registrare nastri con gli amici. Poi ho iniziato a fare delle rielaborazioni usando cassette e real to real, lavorando su nastro insomma. Era qualcosa che facevo semplicemente perché mi piaceva farla, non avevo nessuno scopo preciso. In seguito, dopo aver lasciato la scuola, già suonavo in alcuni club con gli amici, ma giusto per divertimento, inizialmente non avevo il progetto di diventare un professionista. Ma questa è un’altra storia, tu parlavi delle origini e queste sono state tutto un lavorare fisicamente con le mani alle mie idee. Poi, negli ultimi anni ’80, è diventato più economico acquistare strumenti e tecnologia per lavorare sui suoni…
Hai iniziato così a produrre?
Non propriamente a produrre, all’inizio parliamo più di manipolazioni sonore, un cazzeggiare con i suoni direi. Sono stato ispirato dai primi ragazzi hip-hop come Kool Herc, Grandmaster Flash e gente di questo tipo che lavorava suoi suoni alla vecchia maniera. Contemporaneamente, però, seguivo anche altri artisti come i New Order o i Joy Division, per fare un esempio. Ho iniziato facendo tutto da me. Per quanto riguarda il mio voler far musica queste penso siano le mie vere origini.
E continuando a parlare degli inizi, da dove viene il nick “Speedy J”? Come ti è venuto in mente?
Devo ammettere che non è stata una mia idea. In classe con me c’era qualche ragazzo molto forte con il rap; cercavano un dj che sapesse dare una base ai loro testi ed io ero particolarmente pratico con i decks e tutto il resto. Con il passare del tempo divenni sempre più bravo e iniziai a creare i miei beats, così decisero che sarei stato il loro dj. Amavo quella musica, ma non sono mai stato troppo dentro quella cultura… sai, sneaker, catene d’oro, quelle cose lì insomma non facevano per me. In ogni caso divenni il loro dj e iniziammo a suonare in giro. Visto che non ero mai stato troppo dentro quella cultura non avevo ancora un soprannome, così mi dissero “sì è vero, sei forte, ma hai bisogno di un nome da dj che sia fico, non possiamo avere un dj che si chiami semplicemente Jochem. Visto che sei così veloce con i dischi ti chiameremo Speedy J e ti inseriremo nei nostri testi con questo nome!”. Così quando iniziai a mandare alle etichette la mia musica e mi chiesero se avessi un nome d’arte risposi “Sì, sono Speedy J!”. Ho prodotto cose sotto quel nick dal primo momento in cui mi fu dato. Effettivamente è un nome molto hip-hop (ride). Sembra un po’ stupido adesso, ma al tempo aveva un significato ben preciso per il mio gruppo.
Considerando il fatto che sono ormai più di 15 anni che vivi questa scena, mi piacerebbe sapere il tuo pensiero riguardo il modo in cui si è evoluta la Techno in tutti questi anni. I pro, i contro, i cambiamenti…
Senza ombra di dubbio la Techno si è evoluta passando per moltissime fasi. Produco e suono moltissima Techno, ma non sono fossilizzato solo su quella, ascolto ogni genere musicale. Penso che il cambiamento più importante degli ultimi 20 anni sia che da circa 8 è diventato molto più semplice ed economico provarci, provare ad entrare nel giro. Grazie alla democratizzazione della tecnologia, della distribuzione e di tutto il resto attraverso internet, chiunque ha la possibilità di creare musica da sé. Prima questo mondo era riservato non vorrei dire solo a chi aveva le possibilità economiche per affrontarlo, ma a chi era veramente deciso ad investirci tempo e denaro. Comprare attrezzature, costruire un vero studio erano cose che si facevano se si avevano le idee ben chiare. Alla fine anche quando ho iniziato io era un po’ più accessibile fare musica, perché già esistevano macchine un po’ più economiche, drum machine e attrezzature meno costose. Ora però hanno abbattuto qualsiasi limite, qualsiasi barriera. Devi semplicemente comprarti un portatile o far in modo che uno defunto si accenda, prendere qualche programma craccato e ci sei, puoi già fare qualcosa. Quindi penso che il cambiamento più grande sia semplicemente che oggi chiunque può essere un musicista, almeno potenzialmente.
Dando un’occhiata alla tua discografia è evidente che per te il concetto di collaborazione è qualcosa di molto importante. Con il tempo hai prodotto moltissime tracce e dischi in collaborazione. Fra le alte la serie Collabs (Collabs 100, Collabs 200, Collabs 300…). Qual è il tuo concetto di “collaborazione”? In base a cosa scegli gli artisti con cui andrai a collaborare?
Beh, la collaborazione è sempre un’opportunità per entrambe le parti di entrare nel modo di lavorare dell’altro. Quindi ogni collaborazione, che sia in studio o in live o che sia riferita al fronte commerciale, è sempre un processo di apprendimento per entrambi, ti insegna sempre qualcosa sull’altro e anche su te stesso. Nelle collaborazioni fai luce sul tuo modo di lavorare molto più di quando sei da solo in studio, questo perché la collaborazione riflette l’altro artista come te stesso. Prendi spunto dall’altra persona e spesso pensi “Ei, forse questo modo di pensare e di lavorare è migliore dell’altro, è più produttivo”. E’ esattamente un processo di apprendimento, ti costringe a riflettere. Penso sia sempre buono fermarsi un attimo e guardare a quello che stai facendo, alla tua routine e al tuo modo di lavorare… C’è molto da imparare da questo, hai la possibilità di valutare te stesso. Ognuno ha il suo approccio e quando collabori con qualcun altro prendi in considerazione un maggior numero di possibilità e questa è sempre un’ottima cosa. Anche per questo motivo non ho dei veri e propri criteri per scegliere con chi collaborare, è una cosa casuale, conosci qualcuno e magari pensi “Ei, andiamo in studio e facciamo qualcosa insieme”. Poi a volte funziona a volte no, ma in ogni caso è un’opportunità. Ad esempio con qualcuno con cui ho collaborato sono riuscito a scrivere un album in 5 giorni, con altri in 5 giorni siamo riusciti solo a fare un loop, hai presente no?! (ride). A volte collabori con persone con cui basta seguire l’istinto e lasciare tutto com’è perché è già tutto perfetto, altre volte invece sei costretto ad accettare le cose così come vengono per altri motivi… Non è una cosa semplice, non si deve essere troppo accondiscendenti né troppo dominanti perché altrimenti non sarebbe una collaborazione equa, sarebbe una collaborazione a senso unico, o meglio, non sarebbe una collaborazione. A me piacciono le collaborazioni che sono una sorta di 50 e 50, dove entrambe le parti apportano qualcosa al progetto, portano idee al tavolo di lavoro. Solo in questo modo puoi creare qualcosa che non potresti da solo e questa cosa deve essere vera per entrambe le parti: la collaborazione deve essere la somma delle parti.
Uno dei tuoi compagni più classici è Chris Liebing. Hai lavorato con lui moltissime volte, sia in studio che in consolle. Che tipo di approccio condividete? Come vi completate l’uno con l’altro?
Quando abbiamo iniziato eravamo profondamente differenti: Chris è un vero e proprio performer, è molto connesso al pubblico. Quando ci siamo conosciuti io ero più un animale da studio…
Dove vi siete conosciuti?
Dove?
Sì, dove, quando, come…
Mmmh non ricordo molto bene… Penso sia stato a qualche festa visto che molto spesso suonavamo agli stessi party e ci ritrovavamo a chiacchierare. Ah ecco, ora ricordo: un giorno mi ha chiesto di lavorare ad un pezzo di Sylar, era il 2003 o il 2002 se non sbaglio. Iniziammo così a parlare di studio e decidemmo di andarci insieme. Ma il vero inizio fu dovuto al fatto che praticamente suonavamo sempre uno dopo l’altro perché eravamo chiamati a suonare alle stesse feste. Suonando uno dopo l’altro abbiamo deciso di avere in consolle contemporaneamente entrambi i set-up così da fare una breve transizione fra i due set. Poi, con il passare del tempo, queste transizioni divennero sempre più lunghe fino a diventare dei veri e propri back to back. Abbiamo condiviso moltissime cose: io ho imparato molto da lui sulla performance, lui da me sul lavoro in studio.
Quindi ancora: 50 e 50!
(ride) Sì, esatto. La filosofia del 50 e 50 è una cosa importante!
Tornando alle nuove tecnologie, qual è la tua opinione sul loro avvento? La perdita del vinile e l’avvento di Traktor Pro, tanto per dirne una.
Beh, la Techno è un genere fortemente legato alla tecnologia, quindi quest’ultima rappresenta un importante componente di questa corrente. Quando sono in studio non ci sono altri musicisti, non c’è un musicista inteso in senso classico con cui discutere e fare delle scelte, sono solo. Non c’è interazione umana, ma c’è decisamente un’importantissima interazione con la tecnologia. Molto di ciò che faccio è ispirato alle potenzialità della tecnologia. Alla fine è un po’ come avere una band: devi sapere con chi stai suonando, devi conoscere tutti i componenti del gruppo, come suonano, le loro caratteristiche, le loro capacità e possibilità. Quando sono in studio spendo moltissimo tempo per familiarizzare con le nuove interfacce grafiche, le componenti della mia attrezzatura hardware quanto software; cerco di entrare nelle dinamiche e di capire le regole del gioco quanto più possibile, esploro tutto il ventaglio di possibilità che mi offre questo o quel programma, questa o quella macchina e cerco di creare qualcosa che non ho mai sentito, qualcosa che mi ispiri. Per creare qualcosa di veramente nuovo devi conoscere perfettamente tutto il sistema che usi per produrre, tutte le possibilità che ti offre. Alla fine io cerco proprio questo: per me la Techno o la musica elettronica devono essere qualcosa che non ho mai sentito prima, qualcosa che suoni così dannatamente alienante e futuristico che mi viene da chiedere “ma che cazzo è questa roba?!”, mi segui?! Queste sono le cose che mi ispirano, la tecnologia è qualcosa che mi ispira. La tecnologia mi dà degli input proprio come farebbero dei musicisti, se capisci cosa intendo.
Chiarissimo, mi sembra una metafora profondamente realistica. Parliamo ora un po’ della tua creatura: l’Electric Deluxe. Parlaci di quest’etichetta: perché l’hai creata, quali sono le sue linee guida?
L’Electric Deluxe non è solo un’etichetta, è più una piattaforma. Il mio obbiettivo è quello di unire sotto lo stesso tetto persone che abbiano qualcosa di veramente interessante da dire in questo campo. Diversamente da altre grandi techno brand, qui non si parla solamente o principalmente di me, almeno non di me in veste di head-liner, ma di tutti coloro che lavorano assieme sotto il nome di Electric Deluxe. Per questo, quando organizziamo una festa, io non suono necessariamente sul palco principale, non sono la star principale, cerchiamo invece di dar la possibilità a tutti di brillare in consolle nel modo in cui più preferiscono. Se invitiamo qualcuno a suonare, troviamo la soluzione migliore al fine di dargli abbastanza tempo per suonare quanto vuole suonare, per creare ciò che vuole creare facendo le scelte che più preferisce. Proprio per questi motivi non chiederei e non chiedo mai agli altri di fare brani con un sound “electric deluxe”, non voglio che l’etichetta abbia solamente un sound, voglio dar la possibilità agli altri di tirar fuori il meglio che hanno da offrire: in primis, non è necessariamente il sound che conta, ma la qualità. Per questo chiedo semplicemente di far il meglio possibile al fine di mettere in luce ciò che rende unici e inequivocabili gli artisti dell’Electric Deluxe. Alla fine è una piattaforma che dà la possibilità di esprimersi, di raggiungere i propri obbiettivi e che, spero, dimostri come non sia necessario fare esclusivamente pezzi che rientrino nei canoni stabiliti dall’industria musicale, ma come sia invece possibile essere più personali e rilasciare qualcosa di veramente buono e che funzioni. Gli artisti non dovrebbero essere troppo preoccupati dal riuscire ad entrare nella top 10 di Beatport o similari, dovrebbero invece preoccuparsi di esprimere ciò che sono nel miglior modo possibile, dimenticandosi della masse, non è proprio questo che fa di un artista un grande artista?
Quando ti tramuti in Speedy J come organizzi le tue performance? Solitamente strutturi il set già prima di salire sul palco o preferisci improvvisare e seguire le emozioni che provi sul momento?
La seconda, senza ombra di dubbio! E’ l’unico modo per fare un dj set, ed è questo ciò che amo fare. La tua domanda mi fa capir che non è una cosa così scontata forse, ma spero che sia la seconda via quella che ogni vero dj segua. Quando suoni vuoi dar vita ad un sound, un vibe ben preciso. Certo, a volte puoi usare in set differenti tracce che hai suonato già altre volte. Ma non è questo il punto, il punto, e soprattutto la cosa bella, è proprio quella di seguire la folla, o meglio, seguire il modo in cui tu e il pubblico siete legati in quel preciso momento; il bello è proprio seguire il flow e sulla base di quel preciso flow creare qualcosa di nuovo, qualcosa che sarebbe stato impossibile creare la sera prima in un altro luogo, con un altro pubblico. Uso ovviamente tracce di altri artisti, ma non le faccio mai suonare esattamente nel modo con cui sono state create originariamente. L’intero set è lo specchio di me stesso, si articola in manipolazioni fatte sul momento, per questo non potrei mai preparare un set dall’inizio alla fine. Certo, conosco perfettamente il materiale che ho con me, le tracce che sto suonando…
Ad esempio sai già quale traccia suonerai per prima questa sera?
No, no… non ancora. Ma certo, quando sarà pronto ad iniziare saprò con quale traccia vorrò aprire. Magari saprò anche la seconda, ma dopo di quella non ne ho idea. A volte mi serve anche più di mezz’ora per capire dove voglio andare, a volte l’inizio del set è un po’ come una ricerca, una ricerca di equilibrio, ma una volta trovato il giusto flow potrei andare avanti senza limiti.
English Version:
Presenting a figure like Speedy J is not an easy thing. Despite he is a symbol for the world of techno, it would be wrong and simplistic to bind his figure only and exclusively to that environment. Speedy J, or better Jochem George Paap, is not just a techno artist, is much more and this is clear, for example, in his first productions released on Warp Records and Plus 8, in his conception and interest for collaborations, in his opinion on technology and in the metaphor through which he explained us the importance of the technology in his productions. Listening productions of an artist, often you might fall into the error of generating an alter ego of the artist, we create a person on the basis of what we’ve listened to. Jochem, as mentioned above, is one of the greatest representatives of the techno genre (the real one), but, once seated at the table of his hotel, near bags of discs and hardware ready to flee to the location, we could be two that were talking of everything: calm and controlled tone of voice, informality and a great desire to talk and share with us. This time we didn’t stop only at the interview, we were on stage with the artist for the all duration of the dj set (a dj set that looks almost like a live set, a really good one); we observed his way of working, his way of dealing with the public and to feel the party: serious but without being cold. Precisely for these reasons would be a shame not to try to take advantage of such a figure, so this we’re presenting to you is the first part of our interview, the basis of a conversation which will be resume as soon as possible in order to steal even more memories, stories and even more curious from Speedy J. This time we talked about early days, changes, the concept of collaboration, new technologies, the Electric Deluxe and how to turn a DJ set on a journey … and than, have you ever wondered what makes an artist a great artist?!
You were one of the first pioneers amongst European techno and now your name is synonymous of techno itself. Tell us how Speedy J was born, if we look at the very beginning.
You’re asking me to go back to 25 years ago or something! I’ve always been interested in music and from when I was in school I was always interested in it, you know, recording tapes with friends and stuff like that. I didn’t realized at that time, but now, when I look back to things that i liked it’s clear that I was interested more in the sound, in the atmosphere of the music instead of the lyrics, the imagine of the band… So I was always into the quality of the music even when techno and stuff like that didn’t exist. At the beginning it was all about buying records and recording tapes. Than I started doing edits with cassette tapes and real to real.. It was something I just wanted to do, without any purpose. Then, when i left school, I was already playing in locals and clubs with friends just to entertainment myself, I’ve never had any plans to become professional.. But this is another story, you talked about the genesis and genesis were all about working with hands on my ideas. At some point, in the late 80’s, it became more affordable to buy instruments, technology to work on sounds…
And so did you start to produce?
Not really produce, but just to manipulate sounds, to fuck around with music I’d say. I was inspired by early hip-hop guys like Kool Herc, Grandmaster Flash and people who manipulated sounds in that way. But at the same time I was also into more atmospheric stuff like New Order and Joy Division. I just started trying to do everything by myself, I guess this is the very start of me trying to do something in music.
And still talking about origins: where the name “Speey J” come from? Did you come up with the idea?
I have to say I didn’t come up with the idea by myself. In my class there were some very good rappers; they were looking for a Dj for their lyrics and I was really practical with decks and everything. At some points I became very good, I started to create beats and they said “you have to be our dj!”. I loved the music but I’ve never been to much into the hip-hop culture with, you know, gold chain and sneaker. Anyway, they wanted me to be part of the band so we did many performance together. Because I was never into the hip-hop culture I didn’t have a name for myself so they said “Yeah, yeah you have to come up with a cool Dj name because we can not have a dj called just Jochem! ‘Couse you’re really fast we’ll call you Speedy J and we’ll right lyrics about speedy J!”. So, when I started sending my cassette tapes to labels and they asked me if I had an artist name to release it and I said “Well yeah, I’m Speedy J!”. I’ve been doing stuff under the name of Speedy J since I’ve used it for the first time. Actually it’s a really hip-hop name (he laughs). It’s sound really stupid now , but at that time it made sense for the hip hop band!
Considering that now it’s more than 15 years that you are part of this scene, I would like to ask you your thoughts about how techno has developed through all these years. Pros, cons and changes.
Of course it has gone through many many stages. I’m doing a lot of techno stuff but I’m not focused only on it, I listen to all music. I think the major change between let’s say 20 years ago and now is that right now, since the last 8 years, it has became really easy, really affordable to get into, to try to make music. Thanks to democratization of technology, distribution and so on through the internet, everybody has a chance to make their own things. As before it was more exclusively limited to the people who really wanted to invest into it, like buying lots of gear, big studios and stuff like that. Even when I started it was becoming cheaper and more affordable to make music, because you could by cheap drum machine, cheap gear… But now there are really no barriers, you basically have just to buy a laptop or you can use a dead one, get some cracked softwares and there you are, you can do something. So I think the biggest changing it’s that is basically possible for anybody to be a musician.
Checking your discography it’s clear that for you collaboration is an important thing. You have established various partnership including the popular Collabs (Collabs 100, Collabs 200, Collabs 300…). What is your conception of the “collaboration”? Tell us something about the criteria you consider when you choose artists that are going to join you in these collaborations.
Well, collaboration is always an opportunity for both parts to get into other person’s way of working, so any collaboration, either in the studio or live or in term of collaborating on the business front, is a learning process for both people and it’s something that teach you something about someone else but also about yourself. In a collaboration you’re made aware of your own way of working, more than when you’re working alone, because the collab reflects yourself as the other artist. You pick up things from other people and you think “Hey, maybe this way of thinking it’s better than the other one, it’s more productive”. It’s a learning process and I think it’s always good to step back and to look at what you do, at your routine, at your own way of working.. you can learn from this, you can assess yourself. Everybody has his approach and when you collaborate with another person you face with other prospective and this is always rally a good thing. So I don’t have any criteria for choosing the other one, it’s more a casual thing, you meet somebody and you think “Hey, let’s go in the studio and do something together”… Sometimes it works and sometimes it doesn’t, but it’s always an opportunity. For example, some people I worked with I did an album in 5 days and with another guy I may worked for 5 days and we had one loop, d’you know what I mean? (he laguht). Sometimes you collaborate with someone you have to go with the flow and accept whatever comes out… It’s not an easy thing, because if you’re too polite or too dominant it goes only in one way and it wouldn’t be an equal collaboration, it would be a sort of “oneway-collaboration”. I like collaborations that are a sort of fifty-fifty, where both the parts brings ideas to the table; only in this way you can create something you couldn’t create on your own… and this thing has to be true for both artists: the collaboration has to be the sum of the parts!
One of your usual partners in crime is Chris Liebing; you worked countless times with him, both in studio and on stage. What kind of approach do you share and how do you complete each other?
When we started we were really different, Chris is a real performer, he’s really connected with people. When we met I had more studio experience…
Where did you met?
Where?
Yes: how, where, when…
Mmmh I don’t remember… I think during a party because we often play in the same parties so we used to talk about things… Oh right, now I remember: he asked me to do a remix for Sylar, it was maybe 2002-2003, so we got talking about studio stuff and we decided to do something in the studio. But the real beginning was due to the fact we played on the same stage a lot of time, because we were book in the same parties. We played after each other, so we decided to set up both gears and make a transition between the two sets, that’s how we started. Than transitions became longer and longer and at some point we were playing together. At the beginning we share lot of experience: I learned lot from him about the performance and he learned from me things about work in the studio.
So again: fifty-fifty!
(laughts) Yeah, the fifty-fifty it’s an important thing!
What can you tell us about new and old technologies? The loss of vinyl and the advent of Traktor Pro for example…
Well, Techno is very technologic driven music, so I’d say technology is a very important component of this music. If I’m in the studio by my self there aren’t other musician, there isn’t a fellow musician to deal with, I’m alone. There is no human interaction but there is definitely interaction with the technology. Part of what I do is very much inspired by the technology possibilities. At the end, it’s like having a band: you have to know who you’re playing with, you have to know all parts of the band. When I’m in the studio, lot of time it’s me trying to figure out new interface, new piece of gear or software; I try to get in it as much as it is possible, I explore the all range of possibilities within the program or within the system and out of that it comes out something I’ve never heard before, something inspired me. You have to know perfectly the all system, the all possibilities of the software to create something really new… At the end that’s what I’m looking for: for me Techno or electronic music are something that I’ve never heard before, something that sounds so alien and futuristic that I think “what the fuck is this?!”, you know? And this is something that inspired me, technology is something inspired me… technology gives me inputs as well as a musician, if you understand what i mean.
Perfectly clear, I think it’s a deeply realistic metaphor. Let’s talk about your workhorse: Electric Deluxe. Why did you decide to give birth to this project, what are the guidelines of this label?
Well, Electric Delux is not only a label, it’s more like a platform. What I want to do it’s to collect people who have something really interested to say in this field. Unlike other big techno brands it’s not about me, not about me as head-liner, it’s about all the individuals we work with. So, when we do a party, I don’t put myself on the main stage, I’m not the head-liner, but we want everybody who is playing there to shine in their individual way. If we invite guests, we try to find the best solution in order to give them enough time to play what they want to play, to shine on their set, to create what they want to create. So I don’t ask people to make “electric deluxe records”, I don’t want just one sound in the label, I want to bring out the best of people who want to release. So I ask them to be as good as they can in what they are unique for. Basically it’s a platform where everybody can shine and be the best they can, hopefully realizing you don’t always need to do something that is in the industry standards, but you can be also more personal and still deliver something really good. Artists shouldn’t be too concerned about trying to be in the Beatport top 10 or whatever, they should express what they are as better as they can, also forgetting about the masses: isn’t this that makes an artist a really good artist?
When you turn into Speedy J how do you organize your performances: do you set up everything before going on the stage or do you improvise during the set inspired by the moment?
Surely the second! it’s the only way to do it! That’s is what I guess every performer does: you want to bring a certain sound, a certain vibe and of sure sometimes you use the same records or some of the same records in different sets. But it’s all about feeling the vibe of the moment and create something new. I use other people records but I never use them in the way they are made by the artist. The whole set is always my flow, the set is made of sound manipulations so I never prepare the set from start to finish. I know the material that I’m playing so…
For example, do you know the first track you’re going to play this night?
No, no.. Not yet. But yes, when I’ll be ready to start I’ll know which track I’m going to play first. Maybe I know also the second one, but after that I have no idea. Sometimes I need half an hour to realized where I want to go, sometimes the beginning is a little bit like a research but once I find the right flow I can go on forever.
